بودكاست التاريخ

النحت الطائر إيروس

النحت الطائر إيروس

صورة ثلاثية الأبعاد

إيروس الطائر ، القرن الثاني قبل الميلاد ، إنتاج ميرينا. Musée d'Art et d'Histoire (Musée du Cinquantenaire ، بروكسل ، بلجيكا). مصنوعة من CapturingReality.

كان هذا المثال في الأصل له أجنحة متصلة بالظهر. تم تصنيعه ليتم تعليقه: القدم الأمامية مشيرة ولا يمكن أن تدعم الشكل.

لمزيد من التحديثات ، يرجى متابعة متابعتي على Twitter علىGeoffreyMarchal.

دعم لدينامنظمة غير ربحية

موقعنا منظمة غير ربحية. مقابل 5 دولارات شهريًا فقط ، يمكنك أن تصبح عضوًا وتدعم مهمتنا لإشراك الأشخاص ذوي التراث الثقافي وتحسين تعليم التاريخ في جميع أنحاء العالم.


تمثال صغير لإيروس عاري يطير

يتيح حساب الوصول السهل (EZA) الخاص بك لمن في مؤسستك تنزيل المحتوى للاستخدامات التالية:

  • الاختبارات
  • عينات
  • المركبات
  • التخطيطات
  • جروح خشنة
  • تعديلات أولية

إنه يتجاوز الترخيص المركب القياسي عبر الإنترنت للصور الثابتة ومقاطع الفيديو على موقع Getty Images على الويب. حساب EZA ليس ترخيصًا. من أجل إنهاء مشروعك بالمواد التي قمت بتنزيلها من حساب EZA الخاص بك ، تحتاج إلى تأمين ترخيص. بدون ترخيص ، لا يمكن إجراء أي استخدام آخر ، مثل:

  • العروض الجماعية المركزة
  • العروض الخارجية
  • المواد النهائية الموزعة داخل مؤسستك
  • أي مواد يتم توزيعها خارج مؤسستك
  • أي مواد يتم توزيعها على الجمهور (مثل الدعاية والتسويق)

نظرًا لأنه يتم تحديث المجموعات باستمرار ، لا يمكن لـ Getty Images ضمان توفر أي عنصر معين حتى وقت الترخيص. يرجى مراجعة أي قيود مصاحبة للمواد المرخصة بعناية على موقع Getty Images على الويب ، والاتصال بممثل Getty Images إذا كان لديك سؤال عنها. سيبقى حساب EZA الخاص بك ساريًا لمدة عام. سيناقش ممثل Getty Images معك التجديد.

بالنقر فوق الزر تنزيل ، فإنك تقبل مسؤولية استخدام المحتوى غير المنشور (بما في ذلك الحصول على أي تصاريح مطلوبة لاستخدامك) وتوافق على الالتزام بأي قيود.


النحت الطائر إيروس - التاريخ

سايكي وكوبيد: أعظم قصة حب في الأساطير

النفس والعمور، المعروف أيضًا باسم نفسية تتلقى قبلة كيوبيد و # 8217s الأولى (1798) ، بقلم فرانسوا جيرار: الفراشة التي تحوم فوق Psyche ترمز إلى براءتها ، قبل الصحوة الجنسية.

Amore e Psiche (1707–09) بواسطة جوزيبي كريسبي: يُعتقد أن Lychnomancy ، وهو شكل من أشكال العرافة أو استحضار الروح ، يتم تمثيله هنا في استخدام المصباح Psyche & # 8217s لرؤية الإله.

تم تصوير Voluptas مع والديها ، كيوبيد و Psyche ، في أقصى اليمين مأدبة أمور والنفسية بواسطة جوليو رومانو.

المقالات المقترحة:

تعليق واحد

تعليقي الأول! لقد كنت من عابدي القدماء منذ الطفولة. اسمحوا لي أن أقترح قصيدة النغمة للملحن البلجيكي / الفرنسي سيزار فرانك بعنوان "نفسية" ، والتي تم تأليفها عام 1886 إذا كنت أتذكر بشكل صحيح. إنه خصب ويولد العديد من الصور & # 8230 (أستمع إلى الموسيقى الكلاسيكية بعيون مغلقة للسماح لها بالتحدث إلي في الصور وكذلك الصوت ، مما يستدعي الصور & # 8230). على أي حال ، نسخة فرانك بها Psyche و Eros. جمال خاص هو الجزء الثاني بعنوان "Les Chardins d’Eros". يصف موسيقياً "النفس" التي تم نقلها عالياً إلى "حدائق إيروس" بواسطة Aeolids ، الذين كانوا حاضرين لـ Aeolos ، إله الرياح. لا يقدر بثمن! أوه ، أيها القدماء! أتمنى أن يعيش بئر إلهامك إلى الأبد! (وأنا متأكد من أنها ستفعل!)

إن ما ألهمه القدماء بفنونهم المختلفة هو الغنوص الذي لا يقدر بثمن والذي سيكون للبشرية على الإطلاق. (حسنًا ، أنا لست أحدًا ، لكني سأراهن أنني سأكون على حق!)


حامل مصباح إيروس

وصف عام

يظهر إيروس ، إله الحب اليوناني ، على أنه شاب جميل بخصائص ذكورية وأنثوية. كان هذا التمثال في الأصل جزءًا من حامل مصباح وكان سيحتوي على مصباح زيت على المحلاق الذي يحمله بيده الممدودة. يشترك النحت في الصفات التعبيرية والديناميكية للفن اليوناني الهلنستي اللاحق ويبدو أنه يطير على الأجنحة المفصلة بشكل جميل. من المحتمل أن المصباح الذي جاء منه الشكل قد صنع في شرق البحر الأبيض المتوسط ​​لمنزل أو فيلا ثري في إيطاليا. تم ربط البرونز بمجموعة من السلع الفاخرة اليونانية التي تم انتشالها من حطام سفينة قديمة بالقرب من مدينة المهدية على الساحل التونسي.


العمارة القوطية (حوالي 1120-1500)


داخل كاتدرائية ليون أسبانيا.
كنز دفين من فن العصور الوسطى
أواخر القرن الثالث عشر. بني خلال
الفترة 1250-1550 ، هو مثال
العمارة القوطية الإسبانية في
1250 ثانية. لاحظ القبو المضلع و
أقواس مدببة.

مقدمة: الكاتدرائية القوطية

لا يوجد دليل على جودة الفن المسيحي خلال العصور الوسطى أفضل من الكاتدرائية القوطية. ظهر الطراز المعماري القوطي لأول مرة في Saint-Denis ، بالقرب من باريس ، في عام 1140 ، وخلال قرن من الزمان أحدث ثورة في تصميم الكاتدرائية في جميع أنحاء أوروبا الغربية. تم استبدال الطراز القديم للعمارة الرومانية ، بأسقفها المستديرة ، وجدرانها السميكة الضخمة ، والنوافذ الصغيرة والديكورات الداخلية القاتمة ، بأقواس قوطية مرتفعة ، وجدران رقيقة ، ونوافذ زجاجية ملونة ضخمة ، مما أدى إلى إغراق المساحات الداخلية بالضوء. من خلال تعديل نظام قبو السقف واستخدام الدعامات الطائرة لتغيير كيفية نقل الوزن من أعلى إلى أسفل ، تمكن المعماريون القوطيون من تحويل الداخل بشكل جذري وجعله تجربة بصرية أكبر بكثير. كان كل شيء أطول وأكثر هشاشة ، وغالبًا ما كان يتم الوصول إلى الأعمدة الصغيرة من الأرض إلى السقف ، مما يلفت الأنظار بقوة كبيرة. في الخارج ، أضافت كتلة من المنحوتات الحجرية الزخرفة بالإضافة إلى السرد التوراتي ، مع تماثيل القديسين على الجدران ، والنقوش المعقدة حول البوابات والأبواب. أضف الفسيفساء وقطع المذبح المنحوتة والخطوط والمنابر وفن الزجاج الملون النابض بالحياة والمخطوطات الرائعة المزخرفة على الطراز القوطي والأعمال المعدنية الكنسية الثمينة ، ويمكنك أن تفهم سبب كون الكاتدرائيات القوطية تمثل بعضًا من أعظم الأعمال الفنية على الإطلاق. تشمل الأمثلة البارزة لهذه الهياكل: كاتدرائية نوتردام ، باريس (1163-1345) ، كاتدرائية شارتر (1194-1250) وكاتدرائية كولونيا (1248-1880).


كاتدرائية كولونيا (1248-1880)
مثال رائع على
الفن القوطي الألماني. لاحظ ال
تصدرت مجموعة من الدعامات الطائرة
مع أبراج.

خصائص العمارة القوطية

تطور الفن القوطي من الفن الرومانسكي واستمر من منتصف القرن الثاني عشر حتى أواخر القرن السادس عشر في بعض مناطق ألمانيا. كانت الهندسة المعمارية هي الشكل الفني الرئيسي للقوطي ، وكانت الخصائص الهيكلية الرئيسية للتصميم المعماري القوطي تنبع من جهود البنائين في العصور الوسطى لحل المشاكل المرتبطة بدعم أقبية الأسقف الحجرية الثقيلة (الأسقف المقوسة) على مساحات واسعة. نشأت المشكلة لأن الأعمال الحجرية للسقف المقوس التقليدي مارست ضغطا هائلا من الداخل والخارج على الجدران التي استقرت عليها ، مما تسبب في كثير من الأحيان في الانهيار. حتى الفترة السابقة للعمارة الرومانية (حوالي 800-1150) ، اعتقد مصممو المباني أن الجدران الداعمة الرأسية يجب أن تكون سميكة وثقيلة للغاية من أجل مواجهة وامتصاص الضغط الداخلي والخارجي للقبو. لكن المصممين القوطيين حلوا هذه المشكلة حوالي عام 1120 بالعديد من الابتكارات الرائعة.

قبو مضلع: دعامات طائرة: قوس مدبب

أولاً والأهم من ذلك ، قاموا بتطوير ملف قبو مضلعتتكون من أقبية أسطوانية متقاطعة ، تدعم أضلاعها الحجرية سقفًا مقببًا من الألواح الحجرية الرقيقة. لم يقلل هذا الترتيب الجديد بشكل كبير من الوزن (وبالتالي الدفع الخارجي) لقبو السقف فحسب ، بل تم نقل وزن القبو الآن على طول ضلع حجري مميز ، بدلاً من طول حافة الجدار المستمرة ، ويمكن توجيهه من الضلع إلى دعامات أخرى ، مثل الأرصفة العمودية أو وحدات الطيران، مما يلغي الحاجة إلى جدران صلبة وسميكة. علاوة على ذلك ، استبدل المهندسون المعماريون القوطيون الأقواس المستديرة للقبو الأسطواني أقواس مدببة التي وزعت وزن القبو في اتجاه عمودي أكثر.

ببساطة ، حتى أحدث البناؤون القوطيون ثورة في تصميم المبنى ، انخفض وزن السقف (القبو) بالكامل على الجدران الداعمة. نتيجة لذلك ، كلما زاد ثقل السقف أو ارتفاعه ، زاد الضغط النزولي والخارجي على الجدران وزاد سمكها لتظل منتصبة. على سبيل المثال ، كان للكاتدرائية الرومانية جدران متواصلة كثيفة السميكة احتلت مساحة هائلة وخلقت تصميمات داخلية صغيرة وخافتة. في المقابل ، قام المهندسون المعماريون القوطيون بتوجيه وزن السقف على طول أضلاع السقف ، عبر الجدران إلى دعامة طائر (نصف قوس) ، ثم أسفل الدعامات العمودية (أرصفة) على الأرض. في الواقع ، لم يعد السقف يعتمد على الجدران للدعم. نتيجة لذلك ، يمكن بناء جدران الكاتدرائية القوطية أعلى بكثير (مما جعل المبنى أكثر روعة) ، يمكن أن تكون أرق كثيرًا (مما خلق مساحة داخلية أكبر) يمكن أن تحتوي على المزيد من النوافذ (مما أدى إلى تصميمات داخلية أكثر إشراقًا و ، حيث تم استخدام فن الزجاج الملون ، المزيد من الفن التوراتي للجماعة).

كل هذا أدى إلى ظهور نوع جديد تمامًا من التصميمات الداخلية للكاتدرائية ، حيث أعطت جدرانه الطويلة الرفيعة انطباعًا بالعمودية المرتفعة ، معززة بفيضان الضوء متعدد الألوان عبر مساحات شاسعة من الزجاج الملون. كان شكله الخارجي أكثر تعقيدًا من ذي قبل ، مع وجود خطوط من الأرصفة الرأسية متصلة بالجدران العلوية بواسطة دعامات متطايرة ونوافذ كبيرة من الورود. مع تطور الأسلوب ، مال الفن الزخرفي إلى أن يحل محل الأمور الهيكلية. وهكذا تمت إضافة الأعمال الحجرية المزخرفة المعروفة باسم الزخرفة ، إلى جانب مجموعة متنوعة غنية من الميزات الزخرفية الأخرى ، بما في ذلك الأروقة العالية والقمم والأبراج.

سيد الماسونيين
كان عمال البناء في العصور الوسطى من الحرفيين ذوي المهارات العالية وكانت تجارتهم تستخدم بشكل متكرر في بناء القلاع والكنائس والكاتدرائيات. كان السيد ميسون شخصًا مسؤولًا أيضًا عن النجارين والزجاج وغيرها من الأعمال (وفرق العمل). في الواقع ، كان جميع العمال المهرة وغير المهرة في موقع البناء تحت إشراف Master Mason. هو نفسه كان مقره فيما كان يُعرف باسم نزل ميسون. ستحتوي جميع مواقع البناء الرئيسية على Mason's Lodge ، والذي تم من خلاله تنظيم جميع الأعمال في الموقع.

تاريخ وتطور العمارة القوطية

يمكن تمييز ثلاث مراحل من التصميم المعماري القوطي: القوطية المبكرة والعالية والمتأخرة.

أوائل العصر القوطي (1120-1200)

حدث اندماج جميع العناصر الهيكلية المذكورة أعلاه في نمط معماري متماسك أولاً في إيل دو فرانس (المنطقة المحيطة بباريس) ، والتي كان لسكانها الأثرياء موارد كافية لبناء الكاتدرائيات العظيمة التي تجسد الآن العمارة القوطية. أقدم مبنى قوطي على قيد الحياة هو دير سانت دينيس في باريس ، والذي بدأ في حوالي عام 1140. ظهرت الكاتدرائيات ذات المقبب والنوافذ المماثلة قريبًا ، بدءًا من نوتردام دي باريس (حوالي 1163-1345) وكاتدرائية لاون (حوالي 1112) -1215). سرعان ما تطورت سلسلة من أربعة مستويات أفقية متميزة: مستوى الأرض ، ثم مستوى معرض المنبر ، ثم مستوى معرض ثلاثي ، والذي كان فوقه مستوى علوي ، به نوافذ يسمى clerestory. ساهم نمط الأعمدة والأقواس المستخدمة لدعم وتأطير هذه الارتفاعات المختلفة في هندسة وانسجام الداخل. تطورت أيضًا زخارف النوافذ (فواصل النوافذ المزخرفة) ، جنبًا إلى جنب مع مجموعة متنوعة من الزجاج الملون.

تألف الطرف الشرقي للكاتدرائية القوطية المبكرة من إسقاط نصف دائري يسمى الحنية ، والتي تحتوي على مذبح مرتفع محاط بالمستشفى. كان الطرف الغربي - المدخل الرئيسي للمبنى - أكثر إثارة للإعجاب من الناحية البصرية. عادةً ما كان لها واجهة واسعة تعلوها برجان ضخمان ، تم موازنة خطوطهما الرأسية بخطوط أفقية من المداخل الضخمة (على مستوى الأرض) ، فوقها خطوط أفقية من النوافذ والمعارض والمنحوتات والأعمال الحجرية الأخرى. عادة ، كانت الجدران الخارجية الطويلة للكاتدرائية مدعومة بخطوط من الأعمدة الرأسية المتصلة بالجزء العلوي من الجدار على شكل نصف قوس يُعرف باسم الدعامة الطائرة. انتشر هذا النمط المبكر من التصميم المعماري القوطي عبر أوروبا إلى ألمانيا وإنجلترا والبلدان المنخفضة وإيطاليا وإسبانيا والبرتغال.

للحصول على مقارنة مثيرة للاهتمام مع العمارة الشرقية ، انظر: معبد أنغكور وات الخمير الذي يعود تاريخه إلى القرن الثاني عشر (1115-45) ومعبد كاندريا ماهاديفا في القرن الحادي عشر (1017-1029).

هاي جوثيك (1200-80) & quotRayonnant & quot

في القارة ، تُعرف المرحلة التالية من تصميم المبنى القوطي باسم Rayonnant Gothic architecture ، والتي يُشار إلى مكافئها الإنجليزي باسم & quotDecorated Gothic & quot. تميزت العمارة القوطية في Rayonnant بمصفوفات جديدة من الزخرفة الهندسية التي نمت بشكل متزايد مع مرور الوقت ، ولكن بالكاد أي تحسينات هيكلية. في الواقع ، خلال مرحلة Rayonnant ، قام المهندسون المعماريون والبناؤون في الكاتدرائية بتحويل انتباههم بعيدًا عن مهمة تحسين توزيع الوزن وبناء جدران أعلى ، وركزوا بدلاً من ذلك على تعزيز `` مظهر وشكل '' المبنى. أدى هذا النهج إلى إضافة العديد من السمات الزخرفية المختلفة بما في ذلك القمم (الهياكل المستقيمة ، عادة ما تكون متدلية ، التي تعلوها الأرصفة ، أو الدعامات ، أو العناصر الخارجية الأخرى) ، والقوالب ، وعلى وجه الخصوص ، زخرف النوافذ (مثل الدعامات). الميزة الأكثر تميزًا لـ Rayonnant Gothic هي النافذة الوردية الدائرية الضخمة التي تزين الواجهات الغربية للعديد من الكنائس ، مثل كاتدرائية ستراسبورغ (1015-1439). تشمل الخصائص النموذجية الأخرى لعمارة Rayonnant تقليص الدعامات الرأسية الداخلية ودمج معرض triforium مع clerestory ، حتى تتكون الجدران إلى حد كبير من زجاج ملون مع قضبان عمودية من الزخرفة تقسم النوافذ إلى أقسام. تشمل الأمثلة الأولى على طراز Rayonnant كاتدرائيات ريمس وأميان وبورج وبوفيه.

أواخر العصر القوطي (1280-1500) & quotFlamboyant & quot

ظهر نمط ثالث من التصميم المعماري القوطي حوالي عام 1280. كان معروفًا باسم العمارة القوطية Flamboyant ، وكان أكثر تزيينيًا من Rayonnant ، واستمر حتى حوالي عام 1500. ما يعادله في العمارة القوطية الإنجليزية هو & quotPerpandular style & quot. السمة المميزة للعمارة القوطية Flamboyant هي الاستخدام الواسع لمنحنى يشبه اللهب (بالفرنسية: flambe) على شكل حرف S في الزخرفة الحجرية للنوافذ. بالإضافة إلى ذلك ، تم تحويل الجدران إلى مساحة واحدة متواصلة من الزجاج ، مدعومة بقوائم هيكلية وزخرفة. غالبًا ما تم حجب المنطق الهندسي من خلال تغطية الجزء الخارجي بالزخرفة ، والتي غطت البناء وكذلك النوافذ ، معززة بمجموعات معقدة من الجملونات ، والقمم ، والأروقة العالية ، وأنماط النجوم من الأضلاع الإضافية في القبو.

قد يكون التركيز على الصورة بدلاً من الجوهر البنيوي قد تأثر بالأحداث السياسية في فرنسا ، بعد وفاة الملك تشارلز الرابع في عام 1328 دون أن يترك وريثًا ذكرًا. دفع هذا الأمر إلى تقديم مطالبات من أقرب أقربائه الذكور ، ابن أخيه إدوارد الثالث ملك إنجلترا. عندما ذهبت الخلافة إلى فيليب السادس (1293-1350) من البيت الفرنسي لفالوا ، أدى ذلك إلى بدء حرب المائة عام (1337) ، مما أدى إلى انخفاض في العمارة الدينية وزيادة في البناء العسكري والمدني المباني الملكية والعامة.

نتيجة لذلك ، تظهر تصميمات Flamboyant Gothic في العديد من قاعات المدينة وقاعات النقابات وحتى المساكن المحلية. تم تصميم عدد قليل من الكنائس أو الكاتدرائيات بالكامل على طراز Flamboyant ، وبعض الاستثناءات البارزة هي Notre-Dame d'Epine بالقرب من Chalons-sur-Marne و Saint-Maclou in Rouen. تشمل الأمثلة المهمة الأخرى البرج الشمالي لشارتر و Tour de Beurre في روان. في فرنسا ، فقدت العمارة القوطية البراقة طريقها في النهاية - أصبحت مزخرفة للغاية ومعقدة - وحلت محلها الأشكال الكلاسيكية لعمارة عصر النهضة المستوردة من إيطاليا في القرن السادس عشر.

النحت المعماري القوطي

كان النحت القوطي مرتبطًا ارتباطًا وثيقًا بالعمارة - في الواقع يمكن تسميته & quot؛ النحت المعماري & quot؛ نظرًا لأن الجزء الخارجي من الكاتدرائية القوطية النموذجية كان مزينًا بشكل كبير بتماثيل الأعمدة للقديسين والعائلة المقدسة ، بالإضافة إلى منحوتات الإغاثة السردية التي توضح مجموعة متنوعة من الموضوعات التوراتية . لقد كان مصدر دخل ضخم للنحاتين في جميع أنحاء أوروبا ، حيث سافر الكثير منهم من موقع إلى آخر. خلال العصر القوطي المبكر ، تغيرت التماثيل والنقوش قليلاً عن المنحوتات الرومانية في أشكالها الهيراطيقية القاسية - شاهد الأشكال على البوابة الملكية لكاتدرائية شارتر (1145-55). لكن خلال القرن الثاني عشر وأوائل القرن الثالث عشر ، أصبحوا أكثر واقعية ، كما يتضح من الشخصيات في كاتدرائية ريمس (حوالي 1240) ، الذين يمتلكون ملامح وجه فردية وأجسادًا ، بالإضافة إلى أوضاع وإيماءات طبيعية. أخذ النحت دورًا أكثر بروزًا خلال الفترة 1250-1400 ، مع ظهور العديد من التماثيل والمنحوتات الأخرى على واجهات الكاتدرائيات ، عادةً في منافذها الخاصة. بعد ذلك ، من حوالي عام 1375 فصاعدًا ، أدى مصطلح البلاط المعروف باسم الفن القوطي الدولي إلى حقبة جديدة من الصقل والجمال ، مما أدى بسرعة إلى اصطناعية فائقة في جميع أنواع الفن بما في ذلك الزخارف القوطية الدولية والرسم وكذلك النحت. منذ حوالي عام 1450 ، تأثر النحت القوطي في فرنسا بشكل متزايد بنحت عصر النهضة الذي يتم تطويره في إيطاليا ، على الرغم من استمرار الأساليب التقليدية - لا سيما في نحت الخشب - في وقت لاحق في ألمانيا ومناطق أخرى من شمال أوروبا.

حركة إحياء القوطية (القرن التاسع عشر)
بعد الظهور لأول مرة في الهندسة المعمارية في أواخر القرن الثامن عشر (في منزل هوراس والبول ستروبيري هيل) ، شهدت التصاميم القوطية انتعاشًا كبيرًا خلال فترة العمارة الفيكتورية (1840-1900) ، ولا سيما في إنجلترا وأمريكا. نادى الناقد الفني جون روسكين (1819-1900) وتم توظيفه بشكل أساسي لميزاته الزخرفية والرومانسية ، أعطت النهضة القوطية دفعة كبيرة للفن الفيكتوري بفضل مباني مثل: مجلسي البرلمان (اكتمل عام 1870) ، صممه تشارلز باري و August Pugin و Fonthill Abbey ، صممه جيمس وايت. في الولايات المتحدة ، يتجسد الأسلوب في كنيسة الثالوث في نيويورك (1840) ، التي صممها ريتشارد أبجون (1802-1878) ، وكاتدرائية القديس باتريك (1859-1879) ، التي صممها جيمس رينويك (1818-95). لتأثير العمارة القوطية على المباني الحديثة في إنجلترا وأمريكا ، انظر: العمارة في القرن التاسع عشر.

مقالات عن فن القرون الوسطى

& # 149 الفن المسيحي في العصور الوسطى (600-1200) نصوص مضيئة ، نحت.

& # 149 منحوتات العصور الوسطى (300-1000) من العصور القديمة المتأخرة إلى الرومانسيك.

& # 149 فنانو العصور الوسطى (1100-1400) من جيزلبرتوس فصاعدًا.

& # 149 Ottonian Art (900-1050) العمارة ، والمنحوتات العاجية ، والإضاءة.

& # 149 لمزيد من المعلومات حول العمارة في العصور الوسطى ، راجع: موسوعة الفنون المرئية.


يروي الشيف إيروس قصة فن الطهي الأفريقي في إيكو ري

من المقرر أن يتم أكبر معرض للطهي في مكان خلاب من العروض الغريبة لتقنيات الطهي الرائعة ، وذكاء تذوق الطعام ، والترفيه الموسيقي ورواية القصص برعاية طاهي لاغوس الشهير ، تولو إيروس ، المعروف أيضًا باسم طاه الملياردير ، حصريًا لأرقى اللوحات والخبراء.

مهرجان اللوحات المسمى & # 8221Eko Re & # 8221 ، والذي تمت ترجمته بشكل فضفاض على أنه "هذا هو لاغوس" هو قصة عاطفية عن المطبخ الأفريقي ، مؤلف ومنسق في تجربة تذوق مكونة من 7 أطباق من قبل الطاهي الدولي النيجيري الأول ، باستخدام الطعام كما يفضله. قناة تعبيرية ، مضمونة لترك رواد المطعم مفتونين ، كجزء من إجازته الأولى للولايات المتحدة منذ جائحة 2020.

قام الملياردير شيف و 1952 × أفريقيا ، وهو مسرّع للفن والثقافة والتاريخ الأفريقي ، بتخصيص يونيو 2021 ورقم 8211 أغسطس 2021 لجذب أكثر عشاق الطعام تميزًا من سواحل لوس أنجلوس إلى نيويورك ، للانضمام إلى إجازته الصيفية قم بجولة وشارك تجربة طهي لمرة واحدة فقط ، غير عادية ولا تُنسى ، احتفالًا بالملوك الأفارقة.

تتميز قائمة Chef Eros & # 8217 بنكهات غرب إفريقيا الأصيلة & # 8211 مجموعة مختارة ملكية تحتفل بالحياة والمستقبل ، متألقًا مع Yaji ، وهو مزيج من التوابل والمكسرات من أطباق الهوسا المستخدمة في صنع طعام الشارع الشهير المسمى Suya Ewa ، المصنوع من العسل الفاصوليا (oloyin) والشعب الأصلي لشعب توغو وبنين في غرب إفريقيا Egusi ، حساء مصنوع من بذور البطيخ وهو عنصر أساسي مع شعب الإيغبو في شرق نيجيريا شوربة الفلفل ، المصنوع من مجموعة من التوابل الأفريقية مثل أتايكو ، أوودا ، وجبافيلو ، يتم تناوله بشكل شائع في جميع أنحاء غرب إفريقيا في محلات البيرة وحفلات الزفاف وفي الأيام الممطرة الباردة ، يُصنع Asaro ، الأصلي في مملكة اليوروبا ، على شكل هريس رقيق ، Jollof Rice ، وهو أرز تقليدي يعتمد على الطماطم مع أهمية إقليمية هائلة عبر غرب إفريقيا و Zobo ، من أوراق حميض الياقوت الأفريقية المجففة والمعروفة أيضًا باسم & # 8220Yakwan Zobo & # 8221 في أرض الهوسا في نيجيريا ، والتي تُصنع تقليديًا في مشروب ساخن يتم نقلها إلى وعاء طيني ليبرد. للمناسبة الخاصة ، قام الشيف إيروس الفريد من نوعه بتحويل مشروب Zobo اللذيذ إلى هلام لذيذ سيكون بمثابة نكهة لدورة الحلوى النهائية.

يقول الشيف إيروس ، المؤسس والشيف التنفيذي لـ Chef Eros والمالكين المشاركين لمطعم ILE Eros في لاغوس ومخبز Cookie Jar ومشاريع غذائية أخرى في نيجيريا ، "بصفتي أفريقيًا فخورًا بتراثنا ، يظل تاريخنا وثقافتنا غير مرويين و على هذا النحو ، أصبح عملي في حياتي هو أن أروي قصة طعامي الأفريقي ، دورة واحدة في كل مرة ".


هذا هو السبب في أن جميع الرجال في التماثيل القديمة لديهم أعضاء ذكور صغيرة

هل سبق لك القيام بجولات في متحف ، ومشاهدة المعالم السياحية ، والاستمتاع بالثقافة ، وفجأة صُدمت بمدى صغر حجم قضبان الرجال في جميع التماثيل؟

أخبرك بماذا ، أنت لست الوحيد إذا نظرت إلى هذه التماثيل وتساءلت عن سبب حرص الرجال الذين بداخلهم على الحصول على مجموعة أدواتهم والحصول على الطين. لأنه لا يوجد الكثير لتصرخ به هناك ، إذا كنت تعرف ما أعنيه.

لكن لحسن الحظ أجاب شخص ما على هذا السؤال المستمر: لماذا فعل كلهم لديهم مثل هذه القضبان الصغيرة؟ هل كانت الحالة أكثر برودة بشكل عام في ذلك الوقت؟ لأننا جميعًا نعرف ما يحدث لقضيب بارد. أم أننا كنا نخطئ في فهم هؤلاء الأشخاص للبالغين بينما كانوا بالفعل أطفالًا في سن ما قبل البلوغ؟

من أي وقت مضى في الخطوط الأمامية للصحافة الاستقصائية ، نقدم لك الإجابات.

لدينا في الواقع مؤرخة الفن إلين أوردسون لنشكرها على الإجابة على هذا السؤال ، بعد أن أمضت جزءًا كبيرًا من وقتها المهني في شرح سبب هذا الوباء الصغير.

بعد أن أرسل القارئ السؤال إلى مدونته ، كيف تتحدث عن تاريخ الفنقررت إلين الإجابة على السؤال. يمكنك تجاهل هذا التورية.

يبدو أن الأمر كله يتعلق بالقيم الثقافية. فكما هو الحال في عالم اليوم ، "يُنظر إلى القضيب الكبير على أنه ذو قيمة ورجولية" ، كانت الأمور مختلفة تمامًا في ذلك الوقت. "تشير معظم الأدلة إلى حقيقة ذلك صغير اعتبر القضيب أفضل من القضيب الكبير ، "كتب أوردسون.

"أحد أسباب المؤرخين ، مثل كينيث دوفر في كتابه التاريخي الشذوذ الجنسي اليوناني، اقترحوا أن القضيب الصغير كان ذا قيمة ثقافية أكثر هو أن القضيب الكبير كان مرتبطًا بخصائص محددة جدًا: الحماقة ، والشهوة ، والقبح "، تضيف. في العصور اليونانية القديمة.

يقفز مؤرخ الفن أيضًا إلى الدفاع عن التماثيل ، مشيرًا إلى أنها "رخوة. إذا قارنت حجمها مع معظم الذكور الرخوة ، فهي في الواقع ليست أصغر بكثير من القضيب الحقيقي". حسنا حسنا. لقد اعتدنا للتو على القليل من إجراءات الانتصاب هنا.

يوضح Oredsson: "كان الرجل اليوناني المثالي عقلانيًا وفكريًا وموثوقًا". "ربما كان لا يزال يمارس الجنس كثيرًا ، لكن هذا لم يكن مرتبطًا بحجم قضيبه ، وقد سمح له قضيبه الصغير بالبقاء منطقيًا بهدوء."

لذلك هناك لديك. لم تكن القضبان الكبيرة تعني اللقطات الكبيرة في اليوم ، لذلك يمكن للرجال ذوي القضيب الصغير في جميع أنحاء العالم الآن تنفس الصعداء والتنزه في المتاحف حيث سيكونون بصحبة جيدة.

اتبع كات على تويتر.

مثله؟ تعال وشاهدنا على Snapchat Discover.


النحت الطائر إيروس - التاريخ

كان أهم ما تم بيعه هو هذا التمثال الرخامي الروماني الرائع ، بارتفاع 29 بوصة ، لإيروس يمتطي دلفينًا. بيعت بمبلغ 137500 دولار وتاريخها يعود إلى القرن الأول إلى القرن الثاني الميلادي. لاحظ كولي جودة وحالة هذه الصورة الأيقونية كمحرك للقيمة.

مراجعة بواسطة جريج سميث ، الصور مجاملة هندمان

شيكاغو & # 8211 الآثار في ازدهار في هندمان. في أول عملية بيع له كمدير وكبير المتخصصين في قسم الآثار في دار مزادات شيكاغو ، وضع جاكوب كولي مزادًا قيمته مليون دولار. كانت هذه هي عملية البيع الثالثة التي تجريها الشركة من القسم المشكل حديثًا.

عمل كولي سابقًا كمدير إداري لقسم الفن القديم في Colnaghi & # 8211 & # 8211 إعادة تقديم العالم & # 8217s أقدم معرض تجاري إلى الولايات المتحدة من خلال فتح فرع مع Carlos Picón في نيويورك في 2017 & # 8211 وقبل ذلك كان عضو في قسم الفن اليوناني والروماني في متحف متروبوليتان للفنون.

& # 8220 قال كولي إن أكثر ما أثار اهتمامي هو فرصة العمل مع المزيد من المواد. & # 8220Colnaghi كانت من الدرجة الأولى ، لكنني أعتقد أن السوق الوسطى تم تجاهلها إلى حد كبير في أمريكا. لديهم هذا الهيكل في المملكة المتحدة ، ولكن ليس بالضرورة في الولايات المتحدة. عندما اتصلت بي هندمان ، أدركوا أيضًا أن هناك طريقة لملء هذه الفجوة. & # 8221

كان كولي سعيدًا بنتائج بيعه الأول.

سيباع الجزء الأوسط من الرخام الروماني Satyr مقابل 75000 دولار. مقاس هذا الاختيار من رخام ساتير بارتفاع 18 بوصة ويتماشى مع سمعة هذا المخلوق في مطاردة الحيوانات الصغيرة والأشجار العامة. جاء من مجموعة تينا وسيمون بيريرو.

& # 8220 أعتقد للوهلة الأولى ، أن قوة البيع تكمن في البورتريه الكلاسيكي ، & # 8221 قال. & # 8220 من بطليموس الثالث إلى تراجان ، كان لدينا تمثيل رائع للصور اليونانية والرومانية. أظهرت المجموعات الخمس الأولى الرغبة في الحصول على كرات من الحجم المتوسط ​​إلى الكبير. ولكن إذا نظرت عن كثب ، سترى أن الفخار والزجاج القديمين كانا يعملان بشكل جيد. & # 8221

وجدت عملية البيع زعيمها عند 137500 دولار مع منحوتة رخامية رومانية لإيروس على دلفين. يبلغ ارتفاع هذا العمل 29 بوصة ، وهو مؤرخ من القرن الأول إلى القرن الثاني الميلادي. كان لها خط أصل يعود إلى السبعينيات. قال كولي إن صورة إيروس مع الدلفين غزيرة الإنتاج على مر الزمن ، بدءًا من العصور القديمة وتتقدم خلال عصر النهضة ، عندما أعيد اكتشاف هذه الصور وإعادة إنتاجها. & # 8220 ثم كان هناك حالة وجودة وتنفيذ العمل & # 8211 جودة الوجه وتقديم إيروس ، & # 8221 قال كولي. & # 8220 في بعض الأحيان يمكن تصوير الدلافين على أنها وحشية للغاية ، ولكن هذا واحد لديه سحر أكثر من البعض الآخر. & # 8221

سيكون الجزء الأوسط من الرخام الروماني Satyr أفضل تقدير له وهو 45000 دولار للهبوط عند 75000 دولار. يبلغ ارتفاع التمثال الذي يعود إلى القرن الثاني الميلادي 18 بوصة ، ويتميز بنهاية وأمام خلفي ساتير عاري & # 8217s ، وشعر الإغاثة المرتفع يزحف إلى ساقيه مثل زوج من أعلى الفخذين. تم قطع القضيب الساتري & # 8217s في وقت ما في الماضي. لاحظ كولي الجاذبية الجنسية للوحش الأسطوري & # 8217s القسم الأوسط ، والذي صنفه على أنه & # 8220 جذع منخفض. & # 8221 & # 8220 لتحقيق اللياقة أطلقنا عليه اسم الجذع السفلي ، & # 8221 قال كولي ، مشيرًا إلى أنه قدم بعض الفكاهة من عدد من العملاء.

كانت قطعة أرض البيع من هذا النمر الرخامي اليوناني الذي جلب 68750 دولارًا أمريكيًا. أشار كولي إلى أنه ربما كان زوجًا مع آخر تم بيعه من مجموعة معرض ألبرايت نوكس في عام 2007. ويرجع تاريخه إلى حوالي القرن الثالث إلى القرن الثاني قبل الميلاد.

تضمنت الملامح الرومانية الأخرى صورة رأس رخامية للإمبراطور تراجان ، 11 بوصة ، بيعت بمبلغ 43750 دولارًا. جلبت قطعة برونزية من القرن الثاني الميلادي تصور كوكب الزهرة 22500 دولار ، بينما بيعت صورة رخامية لرجل مقابل 22500 دولار. بارتفاع 27 بوصة ، يعود تاريخ الصورة بالحجم الطبيعي أيضًا إلى القرن الثاني الميلادي ، وقد اشتهرت بعباءتها ، التي قالت الشركة إنها كانت & # 8220 مثبتة حول الكتفين بطريقة غالبًا ما يتأثر بها الأمراء والأعيان في الخدمة العسكرية أو الخدمة المدنية العالية . & # 8221

يرجع تاريخ صنعها إلى ما قبل عام 1906 ، وكان رأس النمر اليوناني من الرخام يعود إلى القرن الثالث إلى القرن الثاني قبل الميلاد. وقالت دار المزادات إنها كانت ذات يوم ملكًا لنمر رخامي بالحجم الكامل ، وهو شخصية غالبًا ما تُصوَّر بجانب ديونيسوس. أخذها المزايدين إلى 68750 دولارًا. أشار كولي إلى شخصية مماثلة تم إبطالها من قبل معرض ألبرايت نوكس في Sotheby & # 8217s في عام 2007. & # 8220 هذا بلا شك من ورشة العلية نفسها ، & # 8221 قال. & # 8220 النظرية هي أنه من الممكن أن يكون هذا زوجًا ، على الرغم من كسر العنق بشكل مختلف. & # 8217s ممكن ، بناءً على الأدلة الأثرية حيث توجد أزواج من الحيوانات بشكل شائع في قطع الدفن أو على طول حدود الترسيم. & # 8221

ستعمل العناصر اليونانية الأخرى بشكل جيد ، بما في ذلك 56،250 دولارًا تم دفعها مقابل شاهدة جنائزية رخامية تتميز بـ Eurynome والتي تم توضيحها في Clairmont & # 8217s 1993 العنوان Classical Attic Tombstones. تظهر الصورة المركزية في اللوحة الغائرة شخصين يشابكان الأيدي ، وهي لفتة وداع. قام كولي بتأريخها إلى القرن الرابع قبل الميلاد. سيتم بيع صورة رأس من الرخام اليوناني لبطليموس الثالث ، الفرعون الثالث لمصر خلال سلالة البطالمة ، بمبلغ 37500 دولار. كان بطليموس الثالث مسؤولاً عن إعادة توحيد مصر وبرقة ، وستصل السلالة الحاكمة إلى ذروتها في ظل حكمه. يرجع تاريخ التمثال إلى حوالي 180-222 قبل الميلاد وكان ارتفاعه 7 بوصات.

جلبت شاهدة جنائزية رخامية ذات نقوش متقنة تصور Eurynome 56،250 دولارًا. القرن الرابع قبل الميلاد.

كانت الأشياء التي كانت من المجموعات القديمة أو من تاريخ المعارض المميز شائعة بين المشترين. أخذ 43،750 دولارًا كان عبارة عن شخصية مستلقية من الرخام السيكلادي يبلغ ارتفاعها 10 بوصات. كانت من بين أقدم القطع المعروضة للبيع ، حيث يرجع تاريخها إلى حوالي الألفية الثالثة قبل الميلاد أو في وقت لاحق. نُسب العمل في وقت ما إلى ستافورد ماستر بواسطة بات جيتز-جنتل ، على الرغم من أنها ستعيد تسمية الفنان إلى نحات اللوفر. تم نشره في أربعة كتب وعرضه ثلاث مرات.

أيضًا من المجموعات القديمة كانت بعض القطع المصرية القديمة التي تحلق على ارتفاع عالٍ. كان البيع مقابل 37500 دولار هو قناع مومياء خشبي ، بارتفاع 4 بوصات فقط ، يعود تاريخه إلى الفترة الانتقالية الثالثة ، حوالي 1070 إلى 712 قبل الميلاد. تميز العمل بعلامة جرد قديمة لديكران كيليكيان. & # 8220 ذهبنا إلى أرشيف Kelekian وكان الرقم مطابقًا للمخزون ، & # 8221 قال كولي ، مما يثبت أنه تم فهرسته قبل عام 1926. كان ديكران كيليكيان من أوائل التجار الذين قدموا القطع الأثرية إلى السوق الأمريكية عندما أسس معرضًا في مدينة نيويورك عام 1893.

بيعت مقابل 37500 دولار تمثال خشبي ملون للإله المصري بتاح-سوكر-أوزوريس ، طوله 19 بوصة. كان مصدر العمل هو مجموعة إي توري وايت ، عالم المصريات في أواخر القرن التاسع عشر. وقد مرت أيضًا عبر متحف فيتزويليام في كامبريدج. كتبت الشركة ، & # 8220Ptah-Sokar-Osiris كان مزيجًا من ثلاثة آلهة منفصلة ، تم تحديدهم جميعًا بالخصوبة والتجديد بالإضافة إلى الموت والدفن. & # 8221 أشار كولي إلى أنه لا يزال يحتوي على شظايا معدنية في الأصباغ ، مما يعكس الضوء عند إضاءته.

تم إدراج عالم المصريات الإنجليزي في أواخر القرن التاسع عشر ، إي.توري وايت ، على مصدر هذا التمثال الخشبي الملون للإله المصري بتاح-سوكر-أوزوريس ، طوله 19 بوصة ، والذي بيع بمبلغ 37500 دولار.

تمكن كولي من التنقيب عن بعض الاكتشافات في بحثه على أشياء معينة. عند ارتفاع 29 بوصة ، كان من الممكن وصف تمثال رخامي روماني داعم له جذع ذكر بأنه مجزأ ، فقد الشكل رأسه وذراعه وساقه. & # 8220 قال كولي عند النظر إليه ، فأنت تريد أن تعرف ما هذا ، & # 8221. سرعان ما وجد قطعة مماثلة ، & # 8220Hunter with Dog ، & # 8221 في متحف الفنون الجميلة ، بوسطن (رقم الجرد 1984.167). المثال المماثل يصور شخصية ممسكة بهراوة في يد وأرنبة في الأخرى ، وخنزير بري ميت على الأرض وكلب ينطلق لأعلى للحصول على الأرنب من سيده. & # 8220 ما كان مجزأ في ذلك الوقت ، يتحول إلى شيء أكثر من ذلك بكثير ، & # 8221 قال. بيعت بمبلغ 12500 دولار.

تم بيع لوحين من الفسيفساء الروماني بالقرب من بعضهما البعض في مجموعات منفصلة بسعر 10000 دولار و 10.625 دولارًا. لاحظ كولي ، & # 8220 ، هذه مجرد أجزاء فسيفساء متواضعة ، لكنها نُشرت في كتاب A. Michaelis & # 8217 1882 ، الرخام القديم في بريطانيا العظمى. Michaelis was an archeologist and ancient art scholar and that book is a major title, a seminal work. He went around to all the treasure houses in England and cataloged their antiquities collections – we know of a lot of these old British collections because of his efforts.” Mosaic panels from this same floor are currently on exhibit at the Art Institute of Chicago.

In leaving New York City, Coley departed one of the more active trading centers for antiquities in the United States, though he noted that the Midwest holds its fair share of bounty.

“The Midwest has a healthy interest in ancient art, and that statement is substantiated by the amount of Midwestern collections consigned to this sale. We had two Midwest private collections and one of them was quite important.

“Overall I’m very pleased with the results,” he concluded. “There were good results in cultures that aren’t necessarily the strongest – people were willing to go outside Greek, Roman and Egyptian.”


Alexander Calder

Sculptor, world renowned for his stabiles and mobiles begun in the 1930 s. Calder’s vision was broad and groundbreaking, and his output was prodigious—ranging from small figurines to large, architecturally related sculptures, from whimsical toys to stage sets.

جوان ستال فنانون أمريكيون في صور فوتوغرافية من مجموعة Peter A. Juley & amp Son Collection (واشنطن العاصمة ومينيولا ، نيويورك: المتحف الوطني للفن الأمريكي ومطبوعات دوفر ، 1995)

Alexander Calder was born in Philadelphia in 1898 , the son of the distinguished academic sculptor A. Stirling Calder. Trained as a mechanical engineer, he turned to art, attending the Art Students League in New York City. There he took classes with George Luks, Guy Pène du Bois, Boardman Robinson, and John Sloan and subsequently he established himself as an illustrator and caricaturist in New York.

While in Paris in 1926 , he took up sculpture. After working on wood pieces, he began to make circus figures composed of twisted wire, wheels, string, and cloth. His miniature circus captured the attention of the avant-garde in Paris, where he met and was influenced by a number of artists.

Impressed by the work of Juan Miró, Jean Arp, and Fernand Léger, he created his first abstract stabiles in 1930 . These works also owe much to the rectilinear designs of Piet Mondrian. From these early works and his interest in movement, Calder developed handcranked, motorized, and then wind-powered constructions that were dubbed ​ “ mobiles” by the French artist Marcel Duchamp. These sculptures, usually painted in bold basic colors, turn, bob, and rotate, in a constantly changing relationship to the space around them.

National Museum of American Art ( CD-ROM ) (New York and Washington D.C.: MacMillan Digital in cooperation with the National Museum of American Art, 1996 )

التيارات المتقاطعة: الفن الحديث من مجموعة Sam Rose and Julie Walters

في ثمانية وثمانين لوحة ومنحوتات لافتة للنظر ، التيارات المتقاطعة يلتقط الحداثة أثناء انتقالها من التجريدات المبكرة من قبل أوكيفي ، إلى بيكاسو وبولوك في منتصف القرن ، إلى موسيقى البوب ​​الحثيثة حول الثقافة المعاصرة من قبل روي ليشتنشتاين ، واين ثيبود ، وتوم ويسلمان - كلها توضح كوم


فريدا كاهلو

Frida Kahlo began to paint in 1925, while recovering from a near-fatal bus accident that devastated her body and marked the beginning of lifelong physical ordeals. Over the next three decades, she would produce a relatively small yet consistent and arresting body of work. In meticulously executed paintings, Kahlo portrayed herself again and again, simultaneously exploring, questioning, and staging her self and identity. She also often evoked fraught episodes from her life, including her ongoing struggle with physical pain and the emotional distress caused by her turbulent relationship with celebrated painter Diego Rivera.

Such personal subject matter, along with the intimate scale of her paintings, sharply contrasted with the work of her acclaimed contemporaries, the Mexican Muralists. Launched in the wake of the Mexican Revolution and backed by the government, the Mexican Muralist movement aimed to produce monumental public murals that mined the country’s national history and identity. An avowed Communist, like her peers Rivera, José Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros, Kahlo at times expressed her desire to paint “something useful for the Communist revolutionary movement,” yet her art remained “very far from work that could serve the Party.” 1 She nonetheless participated in her peers’ exaltation of Mexico’s indigenous culture, avidly collecting Mexican popular art and often making use of its motifs and techniques. في My Grandparents, My Parents, and I, for example, she adopted the format of retablos, small devotional paintings made on metallic plates. She also carefully crafted a flamboyant Mexican persona for herself, wearing colorful folk dresses and pre-Columbian jewelry, in a performative display of her identity.

Kahlo’s early recognition was prompted by French poet and founder of Surrealism André Breton, who enthusiastically embraced her art as self-made Surrealism, and included her work in his 1940 International Exhibition of Surrealism in Mexico City. Yet if her art had an uncanny quality akin to the movement’s tenets, Kahlo resisted the association: “They thought I was a Surrealist but I wasn’t,” she said. “I never painted dreams. I painted my own reality.” 2

Introduction by Charlotte Barat, Curatorial Assistant, Department of Painting and Sculpture, 2016

Frida Kahlo, The Diary of Frida Kahlo, An Intimate Self-Portrait (New York: Harry N. Abrams, 1995), 252.

“Mexican Autobiography,” زمن, April 27, 1953, 92.

The research for this text was supported by a generous grant from The Modern Women's Fund.

List of site sources >>>


شاهد الفيديو: 11кл. Итальянская скульптура начала 19 века. Антонио Канова (ديسمبر 2021).